31 grands albums de 2023 jusqu'à présent (1er trimestre)

Aug 08, 2023

Le premier trimestre 2023 est bouclé ! Le temps se réchauffe, tellement plus de bonne musique pour le printemps est en route, et c'est aussi un bon moment pour rattraper certaines des grandes musiques qui sont déjà sorties cette année. Il est trop tôt dans l'année pour commencer à classer les choses, mais nous avons dressé une liste alphabétique de 31 albums sortis entre janvier et mars que nous vous recommandons fortement d'écouter si vous ne l'avez pas déjà fait. Lisez la suite pour nos choix. Quels sont vos albums préférés de 2023 jusqu'à présent ?

Alger - ShookMatador

Après trois albums de musique de protestation défiant les genres, Alger livre sa plus grande déclaration à ce jour avec Shook. Le groupe - qui s'est formé en 2012 avec les musiciens d'Atlanta Franklin James Fisher, Ryan Mahan, Lee Tesche, et a ensuite cimenté sa formation de quatre musiciens avec le batteur original de Bloc Party, Matt Tong - a opté pour quelque chose de plus collaboratif sur Shook, avec des chanteurs invités. qui vont de certains des leaders du paysage du rap underground d'aujourd'hui (Billy Woods, Backxwash) à Zack de la Rocha de Rage Against the Machine en passant par le vétéran du rap d'Atlanta Big Rube et des musiciens indépendants comme Samuel T. Herring de Future Islands, The Make-Up's Mark Cisneros et Jae Matthews de Boy Harsher, ainsi qu'une variété d'autres. La grande variété d'invités est parfaitement logique sur Shook, un album tentaculaire de 17 chansons qui ne peut pas être facilement classé dans un style de musique préexistant. Si je devais le comparer à quelque chose, c'est un esprit apparenté au classique de War de 1972, The World Is A Ghetto. Comme cet album, il est enraciné dans la soul psychédélique et les paroles socialement/politiquement conscientes, mais au lieu d'incorporer du rock et du funk de style années 70, il incorpore du punk et du hip hop modernes. Les rythmes sont électriques, les arrangements sont époustouflants et l'album regorge de performances vocales véritablement imposantes d'Alger et de leurs invités. Il se passe tellement de choses sur Shook, mais pour tout résumer en un mot : intense.

Pour en savoir plus sur cet album, lisez la répartition morceau par morceau du groupe.

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Billy Nomates - CACTIEnvahir

En tant que Billy Nomates, Tor Maries a fait l'un des débuts les plus marquants de 2020, se transformant d'une artiste folk-pop en une originale impétueuse qui n'avait pas peur de dire ce qu'elle pensait et défiait le classement facile. Cela l'a aidée à trouver des mentors dans Sleaford Mods et Geoff Barrow (Portishead, Beak>) qui l'ont encouragée à trouver sa propre voix. Cela a été difficile, cependant, de relancer une carrière juste au moment où le monde s'arrête, et toutes les peurs, le doute de soi et la colère qui ont accompagné les trois dernières années jouent dans son excellent deuxième album. Elle sonne toujours comme personne d'autre. Avec sa voix chaleureuse et son sens de la mélodie et de l'harmonie, ces chansons sonnent comme si elles auraient pu être des tubes new wave nasillards pour Juice Newton ou Kim Carnes en 1980, ou des têtes de liste pop-country dans les années 90 - à l'exception de la production DIY de Tor et les arrangements, pleins de synthétiseurs étranges et de pierres de touche post-punk, les tirent dans d'autres directions. "Saboteur Forcefield" doit autant à New Order qu'à New Nashville, et la chanson titre de CACTI est comme Reba McEntire face à Depeche Mode de l'ère Violator. La voix et la personnalité de Maries portent le tout, le rendant aussi naturel que les chansons conçues pour faire leurs débuts au n ° 1.

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Boygenius - The RecordInterscope

Lorsque Phoebe Bridgers, Julien Baker et Lucy Dacus se sont réunis pour la première fois en tant que Boygenius, ils n'avaient initialement prévu que de faire un 7 "à vendre ensemble lors de leur tournée de 2018. Une fois qu'ils ont commencé à écrire, ils sont sortis avec un plus long, maintenant- EP bien-aimé, et dans les années qui ont suivi, le trio a continué à apparaître sur des chansons ensemble, y compris des morceaux de l'album Petals For Armor de Hayley Williams en 2020, de l'album Punisher de Phoebe en 2020, de l'album Little Oblivions de Julien en 2021 et de l'album Home Video de Lucy en 2021. nous savons maintenant qu'une semaine après la sortie de Punisher, Phoebe a envoyé une démo à Julien et Lucy et leur a demandé si le trio pouvait redevenir un groupe. Cette démo était celle de "Emily I'm Sorry", l'un des 12 titres de Boygenius. ", le premier album complet, The Record, maintenant disponible via leur nouveau label majeur, Interscope Records. Le trio s'est avéré avoir une telle chimie naturelle au fil des ans, et cela continue pour l'intégralité de The Record. La voix distincte de chaque membre et Le style d'écriture de chansons brille à divers moments, et le disque passe toujours à un autre niveau lorsque les trois s'harmonisent. Le disque regorge de chansons folk indé magnifiquement intimes que ces trois-là ont la réputation de créer, mais il contient également des chansons rock à la pointe de la technologie comme « Satanist », « Anti-Curse » et « $20 », la dernière des qui est une chanson rare de Boygenius avec des cris. Et puis il y a "Not Strong Enough", qui ne rappelle pas seulement "Strong Enough" de Sheryl Crow; c'est aussi une chanson folk rock jangly qui sonne comme si elle aurait pu être un succès pour Crow dans les années 90 ou au début des années 2000. C'est un disque subtilement diversifié, et plus vous écoutez, plus de nouvelles chansons se démarquent comme des points forts potentiels. C'est plein de tournures de phrases intelligentes, de surprises mélodiques, autant de références à la culture pop que leurs récentes séances photo (y compris des chansons intitulées "Leonard Cohen" et "Revolution 0"), et tout le lyrisme conversationnel mais dévastateur que vous attendez de ces trois.

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Caroline Polachek - Désir, je veux me transformer en toiSony/The Orchard/Perpetual Novice

Du "Welcome To My Island" à la M83 (qui ouvre l'album) aux rythmes caribéens de "Bunny Is A Rider" en passant par le flamenco-pop de "Sunset" aux cornemuses celtiques de "Blood and Butter" en passant par le bégaiement production et chœur de "Billions", il était clair d'après les singles seuls que Desire a beaucoup de gamme et le reste de l'album emboîte le pas. Une section vers la fin de l'album va de la pop ambiante ("Hopedrunk Everasking") à la folk-pop ("Butterfly Net") en passant par le trip-hop ("Smoke") sans manquer un battement. Une chanson ("Fly To You") fusionne les breakbeats avec la guitare folk et présente des voix invitées de Grimes et Dido, deux artistes qui ont contribué à ouvrir la voie à la musique de Caroline de manières totalement différentes. "La manière [de Dido] de mélanger une approche assez naturelle, presque folk du chant pop avec une production électronique très contemporaine a été très influente pour moi", a déclaré Caroline dans un récent long métrage de Vulture. Le mélange d'instruments acoustiques et électroniques de Caroline a également déjà valu à Desire de multiples comparaisons avec Ray of Light de Madonna, tandis que ses voix très impressionnantes, les haters-will-say-it-s-auto-tuned, lui ont valu des comparaisons allant de Björk à Enya en passant par Imogen Heap. Ce sont tous des ancêtres apparemment précis, et ils sont tentants de faire des comparaisons lorsque vous entendez quelqu'un utiliser sa voix de manière aussi créative que Caroline, mais plus que toute similitude musicale, Caroline est mentionnée dans le même souffle que ceux-ci et d'autres limites. -poussant les artistes à cause de la façon dont elle fait de la musique pop entièrement selon ses propres conditions. En savoir plus ici.

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DEBBY VENDREDI - BONNE CHANCESous-pop

Après une décennie au sein de la scène musicale underground canadienne, ayant passé du temps à Montréal, Vancouver et maintenant Toronto, l'artiste d'origine nigériane DEBBY FRIDAY prend tout son sens sur son premier long métrage. Comme sur ses EP Bitchpunk et Death Drive, DEBBY défie toute catégorisation facile, mélangeant rap, électro, post-punk, industriel, techno et plus encore dans un mélange glitchy, meurtrier et broyé qui est fougueux, magnétique et qui lui est propre. Travaillant avec Graham Walsh de Holy Fuck (que vous trouverez ci-dessous dans cette même colonne avec Noble Rot), GOOD LUCK est chargé de drame, de lumière et de chaleur, de bruit et de beauté, et d'une poignée de jams tueurs. Parmi eux : « So Hard to Tell », une ballade chaloupée qui rappelle les compatriotes canadiens Purity Ring ; graveur techno "I Got It" avec Unas; et un autre ripper à quatre sur le sol, "Hot Love", qui prend vraiment vie lorsque le titre est crié. Ceux-ci arrivent tôt et d'affilée, mais GOOD LUCK ne s'arrête pas, bien qu'il devienne plus abstrait, nous emmenant à travers le R&B junkyard et culminant avec l'intense "Pluto Baby" qui se fond dans l'éthéré, fracassant "Wake Up" - mais bonne chance pour dormir à travers ce travail original et engageant.

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Fever Ray - Romantiques radicauxMuet

"Nous ne venons pas avec un manuel", chante Karin Dreijer sur "Looking for a Ghost" de leur troisième album en tant que Fever Ray, d'une voix mutée par des effets dépassant les percussions, comme une poupée mécanique à remonter. L'amour est étrange et il faut beaucoup de travail pour le maintenir enflammé, un thème qui traverse l'intégralité de Radical Romantics. Si Plunge de 2017 était Dreijer, nouvellement sorti et embrassant les merveilles du cœur, alors c'est la tâche difficile de le maintenir après que les passions se sont refroidies et que les réalités de la vie se sont infiltrées. La réalité est un mot chargé dans le monde de Fever Ray, plein de voix déformées et de personnages troublants (encore plus dans leurs vidéos), mais malgré tous les bruits effrayants, Radical Romantics présente beaucoup d'émotions humaines reconnaissables en son cœur. L'amour, la colère et tout le reste, tout a filtré à travers le style distinctif de Dreijer.

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Feux d'artifice - Higher Lonely PowerCollectif des plantes funéraires

Pour autant que tout le monde puisse le dire, Fireworks a fait une pause à la fin de sa tournée de 2015, mais à huis clos, ils travaillaient sur leur quatrième album, sans être gênés par les exigences des tournées ou les attentes des maisons de disques et des cycles d'albums standard. En 2019, ils ont refait surface avec le single "Demitasse", une chanson art rock ambitieuse qui montrait une facette bien différente de Fireworks que celle montrée sur les disques pop punk indie-friendly sortis lors de leur première diffusion. Parallèlement à la sortie de la chanson, ils ont annoncé leur nouvel album Higher Lonely Power, mais COVID a frappé quelques mois plus tard et Fireworks s'est à nouveau retiré des yeux du public. À l'automne 2022, The Wonder Years a emmené Fireworks sur la route, marquant les premiers spectacles du groupe en sept ans, et le jour de l'an 2023, ils ont finalement libéré Higher Lonely Power, l'auto-publiant sur leur propre label Funeral Plant Collective avec moins d'un avertissement de 12 heures et pas de singles en pré-sortie.

"Demitasse" n'est pas sur l'album, mais il en a donné le ton. Higher Lonely Power est un voyage d'art rock à travers des arrangements de cordes, des breakbeats, une dream pop infusée de synthé et un post-hardcore caustique. Cela évoque n'importe quoi, de Age of Adz de Sufjan Stevens à Kid A de Radiohead en passant par Neon Golden de The Notwist, en passant par les moments les plus sombres et les plus artistiques d'Arcade Fire, mais il a toujours l'énergie d'un groupe qui vient du monde emo/punk et il sonne toujours comme Fireworks. (Et pour une comparaison du monde plus emo/punk, cela me fait penser à Nearer My God de Foxing.) Alors que Fireworks se fraye un chemin à travers ces arrangements époustouflants et métamorphosés, le chanteur Dave Mackinder est aux prises avec le traumatisme chrétien, la mort, les perspectives changeantes des artistes qui ont neuf ans de plus que la dernière fois que nous avons entendu parler d'eux, et les jours où les membres de Fireworks se sont portés volontaires pour que Pfizer teste de nouveaux médicaments sur eux afin qu'ils puissent gagner un peu d'argent supplémentaire ("Je me suis réveillé avec peur de mourir alors que nous pensions que c'était drôle"). C'est un album qui doit être entendu du début à la fin, un album où aucune piste individuelle ne pourrait vous donner toute l'étendue de tout ce que Fireworks a à offrir ici. (Bien que si je devais choisir une chanson pour au moins vous donner une idée de la créativité illimitée de l'album, je dirais probablement "Jerking Off the Sky".) C'est un album si vaste et méticuleusement arrangé que vous pouvez vraiment imaginer les dépenses de Fireworks les neuf dernières années à bien faire chaque petit détail, et l'attente en valait la peine. Higher Lonely Power est si remarquable que des classiques cultes comme Gospel de 2011 semblent être des échauffements en comparaison.

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Fucked Up - One DayMerge

"Après s'être retiré dans le monde fantastique avec Year of the Horse, ce disque est comme si nous revenions à la vraie vie", a déclaré Damian Abraham, le chanteur de Fucked Up, à propos du sixième album du groupe, One Day. Il s'intitule One Day parce que le guitariste Mike Haliechuk a écrit et enregistré les squelettes de ces chansons en une seule journée, puis a transmis les enregistrements d'un membre du groupe à l'autre, qui n'avaient également qu'une journée pour écrire et enregistrer leurs parties, et ce sens d'urgence a contribué à en faire l'un des albums Fucked Up les plus courts, les plus terre-à-terre et les plus traditionnellement punk. Il a cette formule de marque Fucked Up de mélanger le punk classique et le hardcore avec tout ce qui leur passe par la tête, et de mettre l'aboiement distinct de Damian contre des chœurs mélodiques envolés, avec quelques détours comme le rythme lent "Falling Right Under" et le Mike La power pop chantée par Haliechuk de "Cicada". C'est un disque qui trouve souvent Fucked Up dans ce qu'il a de plus concis et de plus accrocheur ; J'appellerais ça un retour en forme, mais en réalité, Fucked Up n'a pas d'album dans son catalogue comme celui-ci.

Pour avoir une idée encore meilleure de ce qui a informé cet album, nous avons demandé à Damian et au batteur Jonah Falco quelles étaient leurs influences pour One Day, et tous deux ont donné des réponses très détaillées, avec des réponses allant des Adolescents à The Undertones en passant par la mort de Riley Gale, Wade Allison et Gord Downie, à diverses expériences de vie et de famille, et bien plus encore. Lisez ce qu'ils avaient à dire ici.

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Gel - Only ConstantConvulse

Le morceau du premier long métrage du groupe de hardcore NJ Gel qui semble sur le point de faire parler le plus de gens est celui qui n'est pas du tout une chanson appropriée. "Calling Card" est un intermède atmosphérique composé de messages vocaux de fans. L'un d'eux dit "hardcore pour les putains de monstres", une phrase qui est devenue le slogan de facto de Gel. "Depuis le début de Gel, nous n'avons jamais - faute d'un meilleur terme - gélifié avec le monde hardcore au sens large", a déclaré le guitariste Anthony Webster dans un récent article de Stereogum. "Surtout maintenant, après le COVID, il y a beaucoup de jeunes nouveaux enfants et beaucoup de résistance contre ces nouveaux enfants de voix dans l'espace hardcore plus large. Et je ne veux tout simplement pas être cette personne qui les repousse. Donc je suppose comme, tout le truc hardcore pour les monstres, nous l'avons adopté en 2019, et ça semble vraiment vrai maintenant."

Gel s'est formé en 2018, avec trois membres qui avaient déjà joué dans le groupe à tendance powerviolence Sick Shit, et ils ont progressivement augmenté, avec une série de démos, d'EP, de promos et d'autant de spectacles en direct qu'ils pouvaient jouer. Les choses ont vraiment commencé à décoller alors que le monde commençait à sortir du verrouillage, avec Gel suscitant plus de buzz que jamais pour leur EP 2021 Violent Closure et leur séparation de 2022 avec Cold Brats, et maintenant Only Constant arrive comme le point culminant de tout Gel avait été travailler vers. "Hardcore for the freaks" le décrit parfaitement ; il y a du psychédélisme garagey, il y a du punk brut, il y a du hardcore chuggy, il y a un rythme de danse, il y a une mélodie bien que le chanteur Sami Kaiser ait toujours l'air de déchirer leurs cordes vocales. Seul Constant semble antagoniste, mais Gel est tout à fait accueillant. Il y a un petit quelque chose là-dedans pour tant de différents types de fans hardcore, et comme les spectacles de Gel ne cessent de s'agrandir, il y a de la place pour que tous les monstres se retrouvent dans la fosse.

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Gina Birch - Je joue fort de ma basseTroisième homme

"L'album distille mes années de vie musicale, politique et artistique avec ces chansons révolutionnaires", déclare Gina Birch des Raincoats à propos de son tout premier album solo. "C'est un journal personnel utilisant des sons et des paroles, plein de plaisir, de rage et de narration." ça résume à peu près. Producer Youth a le don de tirer le meilleur parti des artistes, en créant une atmosphère confortable qui leur permet d'être eux-mêmes, et il est clair que lui et Birch se sont bien entendus. I Play My Bass Loud est formidable, drôle, intelligent, colérique et jamais moins que divertissant - un album de protestation qui n'oublie pas de danser. Tout cela est illustré sur "I Will Never Wear Stilettos", qui la fait chanter, "Mes pieds sont extatiques dans Doc Martens / They love Blue Suede Shoes / They love white Polish waitressing shoes / Never wear Jimmy Choos" sur un support électronique dubby. Les chansons jouent comme des enseignes, mais se sentent plus inclusives et provocantes que didactiques, même sur une chanson JAMC-ish et sifflante de la force de la nature comme "I Am Rage".

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Heartworms - Une notion réconfortanteWunderground rapide

Dirigés par le musicien et poète Jojo Orme, les Heartworms de Londres se sont formés en 2020 mais se sont rapidement fait un nom avec leur marque élégante de spectacles post-punk résolument sombres et intenses. Orme, qui cite Siouxsie & The Banshees, PJ Harvey et Interpol comme des influences clés et décrit son style comme une "fée militaire gothique", semble avoir tout compris à Heartworms sur leur impressionnant premier EP produit par Dan Carey et sorti via son label Speedy Wunderground. Il y a de fortes vibrations post-punk revival / nu-rave ici, en particulier Bloc Party, qui peut être ressentie sur la meilleure chanson de l'EP, "Retributions Of An Awful Life", un brûleur disco déchiqueté qui transpire tandis qu'Orme reste cool, livrant des lignes chics comme "Quand vous êtes jeune, les décisions ne sont pas amusantes." La production de Carey est inspirée, aidant à faire passer Heartworms de claustrophobe à écran large, selon les besoins, Orme passant d'un murmure sec et parlé à des gémissements dans le ciel. Tout est fait avec une telle confiance et panache, et de bons airs, que c'est presque comme si les années 2000 n'avaient jamais eu lieu.

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ICECOLDBISHOP - Generational CurseEpic

Le rappeur de South Central LA ICECOLDBISHOP est en plein essor depuis quelques années maintenant - ayant collaboré avec des artistes comme slowthai, Rico Nasty, Denzel Curry, Boldy James, et bien d'autres - et maintenant il a enfin sorti son premier album, Generational Curse . Tout au long de l'album, il s'avère être un rappeur extrêmement charismatique, sonnant comme un croisement entre les trois Flatbush Zombies et Kendrick Lamar à son plus théâtral, et l'air de désespoir dans sa voix correspond vraiment au sujet. Une mort tragique apparaît à chaque tour de Generational Curse, que ce soit à cause de la toxicomanie ou des fusillades, et ICECOLDBISHOP donne souvent l'impression qu'il est aux prises avec un chagrin en temps réel. Comme tant de grands rappeurs avant lui, c'est un conteur né, capable d'ouvrir les yeux du monde sur la pauvreté, la violence et le racisme institutionnel qui sévissent dans des quartiers comme celui dans lequel Bishop a grandi. Il le fait avec le niveau de commandement de une personne qui vous regarde directement dans les yeux tout le temps, et son oreille pour les rythmes, les mélodies et les arrangements est tout aussi captivante que ses histoires sombres.

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Ice Spice - Comme..?10K Projects/Capitol

La rappeuse du Bronx Ice Spice et son producteur RIOTUSA ont commencé à sortir des singles ensemble en 2021, et ils ont pris d'assaut le monde du rap avec "Munch (Feelin' U)" en 2022. Avec la livraison calme d'Ice Spice et la capacité de transformer une ligne intelligente en un crochet classique instantané, "Munch" a donné une nouvelle tournure au son de forage de New York qui domine la ville depuis quelques années, et il est rapidement devenu le New York. chanson rap de l'été. Ice Spice a prouvé que ce n'était pas un hasard, le suivant avec "Bikini Bottom" et "In Ha Mood" qui ont répété avec succès la même formule et ont conquis la base de fans croissante d'Ice Spice aussi rapidement que "Munch". Aujourd'hui, elle poursuit ces chansons avec son premier projet, le Like..? EP, comprenant les trois singles récents et trois nouvelles chansons, entièrement produit par RIOTUSA. Elle garde sa marque de fabrique sur l'exercice avec "Princess Diana", mais comme ..? trouve également Ice Spice qui commence à flirter avec d'autres idées aussi. Ice Spice recrute Lil Tjay pour une chanson qui porte le nom de feu Gangsta Boo et échantillonne le single "I Need a Girl Part 2" de P. Diddy en 2002, et il trouve Ice Spice mélangeant son son habituel avec une petite nostalgie de l'ère 2000. "Actin A Smoochie" trouve RIOTUSA offrant une production plus lente et plus atmosphérique qui pourrait tenir sur un disque de Drake du début des années 2010, et Ice Spice correspond à l'ambiance avec quelque chose d'un peu plus sentimental. Avec six chansons en 13 minutes, commencer par un EP au lieu de passer directement à un album ou à une mixtape semble être une bonne décision. Le format bref est parfait pour les chansons courtes et franches d'Ice Spice, et Like..? laisse entendre qu'elle est capable de plus que ce qu'elle nous avait déjà montré sans s'éloigner trop de sa formule déjà gagnante. Je suis très curieux d'entendre ce qu'elle fait quand vient le temps d'un long métrage, mais pour l'instant, comme ..? se sent comme une introduction soignée et maigre à un rappeur qui a clairement quelque chose à dire.

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JPEGMAFIA & Danny Brown - Effrayer les houesPEGGY/AWAL

Danny Brown et JPEGMAFIA ont tous deux la réputation de faire de la musique rap forte et erratique, et leurs deux collaborations sur l'album 2019 de Danny uknowhatimsayin¿ ont été des moments forts, donc l'idée d'un album collaboratif complet de ces deux-là semblait parfaite. Et c'est aussi parfait dans l'exécution que sur le papier. Produit par JPEGMAFIA, l'album va de l'hyperpop au glitch en passant par l'industriel, les échantillons de soul retournés et plus encore, et Danny et Peggy ont une énergie sans limite alors qu'ils rebondissent l'un sur l'autre sur ces rythmes stridents. La seule apparition invitée de l'album vient de l'un des nouveaux rappeurs les plus excitants du moment, redveil, qui fournit à "Kingdom Hearts Key" sa coda fluide.

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Judiciaire - Flesh + BloodClosed Cercueil Activités

Cela fait plus de quatre ans que les metalpunks texans Judiciary ont sorti leur excellent premier LP Surface Noise, et ils ont sévèrement progressé sur leur deuxième LP Flesh + Blood. Comme Surface Noise, le nouvel album établit un équilibre entre le hardcore métallique moderne et le thrash classique des années 80, et Flesh + Blood rend la ligne encore plus floue et frappe encore plus fort. Ils l'ont fait avec l'équipe de rêve de la musique lourde composée d'Arthur Rizk (producteur / ingénieur) et Will Putney (mixage / mastering), le premier avec qui ils ont travaillé après avoir été invité par le regretté chanteur de Power Trip Riley Gale à le faire, et c'est une paire parfaite pour ce que Judiciary recherchait sur ce LP. Arthur est le gars incontournable du thrash moderne et Will est celui du metalcore moderne; Chair + Sang existe en plein milieu. Comme la production, la musicalité et l'écriture des chansons sont aussi plus grandes et plus audacieuses. Les guitaristes Jimmy LaDue et Israel Garza bourrent ce disque de riffs qui feraient tomber les Big Four sur leurs culs, et l'aboiement hardcore de Jake Collinson est à la fois plus féroce et plus mélodieux qu'il ne l'était sur le dernier LP. C'est conçu avec goût et extrêmement dur - exactement ce que vous attendez d'un groupe comme celui-ci.

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Kelela - RavenWarp

Kelela prend son temps. Depuis qu'elle a conquis le monde au début des années 2010 en tant que chanteuse invitée sur des morceaux électroniques tels que Teengirl Fantasy, Kingdom et Daedelus, elle n'a sorti qu'une seule mixtape, un EP et un album complet, ainsi que quelques albums autonomes. singles et remix. Mais chaque fois qu'elle tombe, ça vaut toujours la peine d'attendre, et Raven – son deuxième album et sa première nouvelle musique en près de six ans – ne fait pas exception. L'album a été écrit, arrangé et produit par Kelela, aux côtés de la co-productrice exécutive Asmara de Nguzunguzu, la majeure partie de la production provenant de LSDXOXO, du duo ambiant OCA et de Bambii - une équipe soudée qui a aidé Kelela à faire exactement l'album qu'elle voulait faire, sans se soucier des attentes des forces extérieures comme le capitalisme et la culture de la suprématie blanche. Kelela appelle l'album "une affirmation de la perspective de la femme noire au milieu de l'effacement systémique et du son de notre vulnérabilité transformé en pouvoir", et elle accomplit cela avec une fusion remarquable de R&B, de musique de danse et de musique ambiante. Cela ressemble à une progression naturelle par rapport à son travail précédent, et se sent aussi audacieux et futuriste aujourd'hui que sa première mixtape Cut 4 Me l'a fait il y a dix ans. Sur Raven, Kelela ne semble pas concernée par l'écriture d'un autre "LMK", le premier single pop de son précédent album Take Me Apart. Cela ne veut pas dire que Raven n'a pas ses bangers, mais c'est un album atmosphérique encore plus intime que son prédécesseur, et même ses chansons les plus accrocheuses et les plus optimistes explorent le côté expérimental de Kelela. La production est large et innovante, et Kelela est devenue encore meilleure pour tisser sa voix montante dans et hors du beatwork qu'elle ne l'était déjà. Kelela a profité de son arrivée à une époque où le carrefour entre l'indie, la musique électronique et le R&B était un endroit branché, mais Raven affirme que Kelela n'est pas à la mode. Cela ne ressemble pas vraiment à l'un des gros disques R&B de ces derniers temps, et avec une musique aussi créative et rafraîchissante, Kelela est mieux ainsi.

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Lampe de Murmuur - Saturnian BloodstormNot Kvlt/Night of the Pale Moon/Argento

Lamp of Murmuur est déjà un nom familier dans les foyers qui parlent de black metal lo-fi underground, mais le groupe - dirigé par l'énigmatique multi-instrumentiste M. - semble sortir de sa coquille ces derniers temps. Après avoir sorti plusieurs enregistrements au cours de trois ans (y compris une bande très limitée de sa première démo qui coûte maintenant 70 dollars sur Discogs), Lamp of Murmuur a finalement lancé un spectacle en direct avec un groupe complet en 2022, y compris un énorme Roadburn apparence, et maintenant ils ont sorti leur nouvel album Saturnian Bloodstorm, qui est leur première sortie sur les services de streaming. C'est plus accessible dans le sens très littéral que vous pouvez le diffuser partout, mais aussi dans le sens où la production est beaucoup plus claire que les premiers morceaux lo-fi du groupe, et les chansons sont nettement plus accrocheuses. Même la pochette de l'album a plus de couleur et de clarté que n'importe quelle version de Lamp avant elle. "Je sentais que je ne voulais pas que cet album sonne comme les autres", a déclaré M. à Invisible Oranges. "J'ai senti qu'il était temps de faire une affirmation de ma propre existence, une affirmation de ma force et de ma vitalité, de faire un disque revigorant." M. cite des albums comme Immortal's At The Heart Of Winter et Satyricon's Volcano comme influences sur le son plus clair ("tous ces albums qui sont apparus à une époque bizarre pour le black metal, au début des années 2000, quand les big bands devenaient extrêmement gros avec leur sound"), et associe le côté mélodique à la combinaison du black metal avec l'influence de groupes de hard rock et de heavy metal classiques comme Judas Priest, Iron Maiden, Deep Purple, Dio et Black Sabbath. Lisez l'interview complète d'IO pour en savoir plus sur ce remarquable LP.

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Lana Del Rey - Saviez-vous qu'il y a un tunnel sous Ocean BlvdInterscope / Polydor

Pour citer Billie Eilish, Lana Del Rey a ouvert la voie à tout le monde. Sa version autrefois polarisante de la musique pop alternative a changé la façon dont tant d'artistes ont abordé leur musique, des géants déjà établis comme (collaborateur récent de Lana) Taylor Swift aux étoiles montantes plus récentes comme Billie. Et plus elle devient influente, plus sa propre musique semble se détourner des attentes commerciales. "Avec cet album, la majorité de ce sont mes pensées les plus intimes", a déclaré Lana en parlant à Billie Eilish dans la même interview Interview Magazine d'où provient la citation de Billie. Lana évolue vers un style d'écriture de chansons plus personnel depuis quelques albums maintenant, et elle s'y penche vraiment avec Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd. L'album est en grande partie silencieux et minimal, avec des ballades au piano et à cordes ouvrant la voie au lyrisme du flux de conscience sur la grande majorité de ces chansons. Et puis il y a les valeurs aberrantes, comme les "Peppers" à tendance hip hop avec Tommy Genesis, les "The Grants" à tendance gospel et "Let the Light In", un charmant duo folk de style Laurel Canyon avec le père John Misty. L'album se termine par une reprise de "Venice Bitch" de Norman Fucking Rockwell. (Il y a aussi un morceau où le célèbre pasteur Judah Smith prononce un sermon de quatre minutes et demie, et je ne sais pas si je vais laisser celui-ci se terminer à chaque fois que j'écoute l'album, mais votre kilométrage peut varier.) C'est un album où Lana a l'air de faire tout ce qu'elle veut, une phrase qui décrit essentiellement plusieurs albums de Lana Del Rey à ce stade. Dans un sens plus large, vous savez ce que vous allez retirer de cet album, mais à un niveau plus micro, Ocean Blvd trouve de nombreuses façons de vous surprendre.

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Liturgie - 93696Thrill Jockey

Ravenna Hunt-Hendrix a défié les limites et le purisme du black metal depuis la création de Liturgy, et même avec l'espoir que le nouveau double album du groupe 93696 fera exactement cela, ce nouveau projet colossal continue de ravir et de surprendre d'une manière presque fracassante. . Fidèle à son nom, le black metal traditionnel invoque très littéralement des visions de l'obscurité, mais Hunt-Hendrix utilise des astuces de black metal familières pour créer une musique qui sonne aussi brillante et technicolor que la pochette de l'album de 93696. En plus de la formation actuelle de Liturgy composée du guitariste Mario Miron, de la bassiste Tia Vincent-Clark et du batteur Leo Didkovsky, 93696 trouve Hunt-Hendrix apportant des arrangements de cordes, une chorale d'enfants, de l'électronique d'art rock et plus encore pour pousser la musique dans toutes sortes de situations inattendues. directions. Elle dit qu'elle visait à faire de cet album "un son plus punk-rencontre-classique que métal", et cet objectif se reflète dans les choix de production et d'arrangement de l'album, qui se sentent rarement typiques du métal (ou de tout autre style de musique d'ailleurs). ). Les singles de l'album comprenaient une chanson métamorphosée de 15 minutes, ainsi qu'une chanson qui ne contient rien de plus qu'un chant choral a cappella sans paroles, et ces morceaux ont encore plus de sens dans le contexte de cet album. C'est un véritable voyage d'un album, qui peut être à la fois époustouflant, euphorique et antagoniste.

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Lucinda Chua - YIAN4AD

L'artiste londonienne Lucinda Chua est venue jouer dans le trio Felix signé par Kranky et a agi en tant que violoncelliste en tournée pour les brindilles FKA, et a fait une tournée en ouverture pour Slint en 2013, mais elle ne sort que maintenant son premier album solo - après EP solo de 2019 et 2021 - et c'est vraiment comme la première fois qu'elle se présente au monde. "C'est un peu inhabituel d'écrire un premier album solo au milieu de la trentaine", a-t-elle déclaré dans une récente interview avec The Forty-Five. "Je fais déjà de la musique depuis plus de dix ans, mais sortir cet album maintenant ressemble toujours à un tel moment de naissance." L'album s'appelle YIAN, qui est tiré de son nom chinois Siew Yian, et il la trouve embrassant pleinement sa culture et ses racines asiatiques qui étaient souvent absentes de sa vie lorsqu'elle a grandi à Londres. Les visuels d'accompagnement de l'album ont été profondément inspirés par la danse chinoise et les vieilles représentations hollywoodiennes de personnages asiatiques, et elle a recruté un groupe de collaborateurs partageant les mêmes idées pour l'aider à réaliser sa vision. L'artiste pop art singapourien Yeule est l'un des rares invités de l'album. Lucinda a autoproduit et conçu elle-même huit des dix titres de l'album, et YIAN la trouve en grande partie explorant une pop artistique émouvante et atmosphérique, évoquant des musiciens comme Tori Amos, Radiohead et Björk. C'est un album globalement calme et au rythme lent, mais accordez-lui l'attention qu'il mérite et vous trouverez des crochets addictifs et des climax explosifs tissés dans la délicatesse de YIAN.

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MSPAINT - Post-AmericanConvulse Records

Originaire de Hattiesburg, Mississippi, MSPAINT ne fait pas partie des lieux de musique populaires, ils ne sont pas soutenus par l'une des grandes maisons de disques de créateurs de goût, et ils sont en décalage avec à peu près toutes les tendances musicales en ce moment, mais ceux qui se sont accrochés au groupe sont d'accord : MSPAINT est quelque chose de très spécial. "Quand j'ai entendu 'Hardwired' pour la première fois, j'ai eu l'impression d'avoir un secret, comme un hit non découvert", a déclaré le chanteur de Militarie Gun Ian Shelton, faisant référence au premier EP éponyme du groupe en 2020. Ian a depuis noué une relation étroite avec le groupe; Militarie Gun les a emmenés en tournée et a collaboré avec eux, et Ian a coproduit leur premier album Post-American aux côtés de Taylor Young, et il chante un couplet sur le morceau remarquable "Delete It". L'album a un autre chanteur invité sur "Decapitated Reality", Pierce Jordan de Soul Glo.

Comme en témoignent leurs collaborateurs, leurs compagnons de tournée et leur label, MSPAINT a été adopté par la scène hardcore, mais ils ne sont pas eux-mêmes un groupe hardcore. En fait, le groupe soutient que les seules discussions préliminaires qu'ils ont eues sur le son de MSPAINT sont qu'ils n'utiliseraient aucune guitare. Non pas que le récit du "groupe de rock abandonne les guitares" soit quelque chose de nouveau, mais MSPAINT le fait d'une manière qui ne ressemble à presque aucun autre groupe auquel je puisse penser. Rejetant le pipeline rock-goes-synth qui aboutit si souvent à quelque chose de nettoyé et adapté à la radio, le synth-punk de MSPAINT se sent conçu pour les fêtes d'entrepôt crasseuses, en sueur et mal éclairées. Leur section rythmique de batterie et de basse martèle, leurs synthés sont déformés et déformés, et leur chanteur charismatique - qui ne s'appelle que Deedee - mène le groupe avec des cris à peine mélodiques qui sont bien plus accrocheurs qu'ils ne le feront jamais. papier. Les chansons sont aussi irrégulières et agressives qu'amusantes et contagieuses. c'est de la pop pour les parias et les monstres, et MSPAINT ne sonne pas vraiment comme les autres groupes qui correspondent à cette description.

Pour en savoir plus sur cet album, lisez la répartition morceau par morceau du groupe.

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Modèle/Actriz - DogsbodyVéritables sons de panthère

La nostalgie a tendance à fonctionner sur des cycles de 20 ans, ce qui signifie que le milieu des années 2000 est de retour et en tant que personne qui était à New York à l'époque et qui en garde de bons souvenirs, je suis là pour ça. Au moins une partie, comme mon loyer à l'époque, et mon audition. Model / Actriz, qui fait partie de la frange de New York depuis une bonne partie de la décennie, semble avoir pu se défendre en 2003, avec une souche féroce de technopunk arty qui semble avoir été forgée dans un abandonné usine d'acier oxycoupé. Les tambours tirent comme des marteaux-piqueurs, une mitrailleuse de grosse caisse, les guitares cisaillent des tranches de métal comme un couteau brûlant dans du beurre, et le chanteur Cole Haden gémit des répliques comme "Je me souviens que des épines me déchiquetent les paumes!" Dogsbody, leur premier album, est alimenté par une énergie nerveuse et implacable qui se relâche rarement au cours de son exécution intense, sombre et mortelle de 38 minutes. Le seul répit est assez proche de "Sun In", que vous pourriez être pardonné de penser que c'était l'algorithme passant à un autre artiste après la fin de l'album. Dogsbody n'est pas exactement "amusant", mais il est cathartique et, comme les groupes dont il se sent inspiré (Liars, Lightning Bolt, Black Dice, !!!), est probablement mieux vécu en direct et fort dans un club en sueur avec des stroboscopes et appareils à fumée. Au lieu de cela, écoutez Model/Actriz aussi fort que possible.

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The Murder Capital - Le rétablissement de GigiSaisons humaines

Le groupe dublinois The Murder Capital s'est considérablement allégé depuis la sortie de son premier album en 2019, When I Had Fears. Cet album trafiquait du rock indie austère pas très éloigné d'Interpol. les premiers rédacteurs en chef et d'autres groupes qui se sont beaucoup comparés à Joy Division. Bien que dérivé, il avait de bonnes chansons jouées avec conviction, et le leader James McGovern avait un magnétisme qui pouvait être ressenti même à travers les écouteurs les moins chers. Quatre ans plus tard, le groupe est de retour, et même s'il serait faux de dire qu'il semble plus à l'aise dans sa peau, Gigi's Recovery se sent plus le produit d'un groupe qui a compris qui il est. Les chansons et les performances sont plus nuancées et présentent toute une gamme d'émotions et de couleurs, pas seulement du noir et du gris. Le balancement "Good Things" et l'hymne "Return My Head" frôlent la joie, et ce dernier sonne comme un grand single perdu de l'ère du rock des blogs. En fait, Gigi's Recovery joue un peu comme le plus grand disque de guitare indépendant du milieu des années 2000 que vous n'ayez jamais entendu, avec une chanson mémorable après une chanson mémorable, toutes produites de manière experte par John Congleton avec un excellent jeu de guitare varié de Damien Tuit et Cathal Roper. McGovern est également devenu un meilleur chanteur, le reprenant un peu sans rien perdre de sa passion. Ce n'est pas la nostalgie d'une époque, cependant; Gigi's Recovery est le son de cinq hommes qui font de la musique vitale avec des guitares en 2023.

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Nécrologie - Mourir de toutRechute

Dying of Everything, le 11e album d'Obituary, arrive cinq ans après leur dernier, et depuis lors, nous nous sommes retrouvés au milieu d'une véritable renaissance du death metal, alimentée par une génération passionnante de groupes qui n'existeraient pas sans Nécrologie. Obituary et leurs pairs de Floride tout aussi influents comme Death et Morbid Angel ont aidé les pionniers du death metal en poussant le thrash metal à sa conclusion la plus diabolique et en le rendant encore plus diabolique à partir de là. Et Obituary n'a jamais abandonné leurs influences thrash au fil du temps, réalisant des disques dont l'influence se répercute sur un vaste éventail de groupes de death metal, de thrash metal et de hardcore métallique d'aujourd'hui. Ils n'ont également jamais cessé d'écrire de grands disques, et cela inclut Dying of Everything, un album qui vient 34 ans après les débuts d'Obituary et qui a toujours la même faim et la même urgence que le nouveau sang du genre. La nécrologie compte toujours les membres originaux John Tardy (chant), Donald Tardy (batterie) et Trevor Peres (guitare rythmique), et au cours de la dernière décennie et plus, leur formation a été complétée par un autre pionnier du death metal de Floride, Terry Butler (Death, Massacre, Six Feet Under) sur la basse et le guitariste principal Kenny Andrews (qui jouait auparavant aux côtés de Donald Tardy dans le groupe d'Andrew WK et était auparavant dans les vétérans du thrash de Floride Azrael et Pain Principle), deux personnes qui ne sont pas étonnamment très douées pour aider Obituary à garder leur son classique vivant. Mourir de tout ne s'éloigne pas trop des premiers disques d'Obituary, mais il ne semble pas du tout obsolète ou redondant. Obituary a fait certains des meilleurs death metal des années 1980 et ils font certains des meilleurs death metal d'aujourd'hui, point final. Que tous les groupes soient aussi pertinents sans effort plus de 30 ans dans leur carrière.

Pour en savoir plus sur cet album, lisez la nouvelle interview d'IO avec Donald Tardy.

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Paramore - C'est pourquoiAtlantic

Hayley Williams a déclaré à plusieurs reprises que Paramore n'avait jamais eu l'intention de devenir simplement un groupe pop punk/emo. Ils ont eu tellement d'autres influences au début, mais c'est la scène avec laquelle ils se sont regroupés à l'époque, et probablement en raison de divers facteurs, c'est la direction dans laquelle ils sont allés et c'est ce pour quoi beaucoup de gens les connaissent encore le mieux. Mais même après la disparition de l'intérêt général pour le pop punk et l'emo, Paramore a résisté à une industrie musicale en mutation, à de multiples changements de line-up, à des projets parallèles et à divers départs stylistiques. Leur album de 2017 After Laughter était un album pointu inspiré de la nouvelle vague avec presque aucune trace de pop punk, et il a été salué comme un retour (pas que Paramore soit jamais vraiment allé nulle part), affirmant Paramore comme un groupe qui était tout aussi pertinents dans le paysage musical du milieu/fin des années 2010 comme ils l'étaient au milieu/fin des années 2000. C'était il y a maintenant six ans, et depuis lors, Hayley a sorti deux albums solo qui s'éloignaient encore plus des racines de Paramore, mais maintenant Paramore est de retour et ils sonnent comme le groupe qu'ils ont vraiment toujours voulu être.

Le départ bien exécuté effectué sur After Laughter informe clairement la direction de This Is Why, mais ils ramènent également les guitares bruyantes et l'angoisse ricanante du classique Paramore, et ils vont aussi dans une poignée de nouvelles directions. This Is Why est le son de Paramore renouant avec eux-mêmes, mais embrassant toujours ce qu'ils sont devenus au cours des 18 années écoulées depuis leur premier album. Cela ressemble à l'aboutissement de tout ce qu'ils ont fait, ainsi qu'à une évolution. Parfois, on a aussi l'impression que Paramore revient au tout début et recommence; Hayley a parlé à plusieurs reprises de l'influence que Bloc Party – que Paramore emmène en tournée cette année – a eu sur cet album, et leur dance-punk nerveux est partout sur ce disque. Des chansons comme "The News", "Running Out of Time" et "C'est Comme Ca" suggèrent une version alternative du milieu des années 2000 où Paramore a suivi les traces de "Banquet" au lieu de leurs camarades du label Fueled by Ramen et de Warped. Tourers et Paramore y parviennent en 2023 sans paraître décalés, obsolètes ou comme s'ils se languissaient d'une époque révolue de la musique de guitare.

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Parannoul - Après la MagieTopshelf

"Cet album n'est pas ce à quoi vous vous attendiez, mais ce que j'ai toujours voulu." C'est ainsi que le mystérieux musicien sud-coréen Parannoul a présenté After the Magic, qui fait suite à deux autres albums et à quelques EP et splits (tous deux avec son compatriote sud-coréen Asian Glow, et un également à trois avec le brésilien sonhos tomam conta ), ainsi que des sorties sous d'autres noms comme laststar et Mydreamfever. Ces premières versions ont contribué à faire de Parannoul une base de fans culte, et celle-ci existe presque entièrement sur Internet; certaines des pom-pom girls les plus bruyantes de Parannoul viennent du monde entier, et tout cela a commencé à se produire pendant le verrouillage de COVID, avant que quiconque n'ait vu Parannoul en direct. (Pour autant que je sache, Parannoul n'a que rarement joué, et jamais en dehors de la Corée du Sud.) Les ingrédients qui composent After the Magic sont similaires à ceux des versions précédentes de Parannoul, mais ce disque semble plus grand, plus propre et moins lo-fi. Il s'inscrit quelque part entre l'électro-shoegaze de M83 de l'ère aughts, la pop glitch de The Notwist et le post-rock orienté vers la voix de The Appleseed Cast, avec des arrangements flottants qui ne sembleraient pas déplacés sur un album de Sufjan Stevens. En d'autres termes, c'est une musique profondément belle et pleine d'émotions.

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Sanguisugabogg - Homicide EcstasyCentury Media

"Tout est devenu plus légitime. La musicalité, la production, les paroles - qui plongent beaucoup plus dans l'horreur et l'horreur corporelle - sont plus réfléchies. Ce n'est pas seulement un tas de blagues sur la bite et le pet", déclare le chanteur Devin Swank du nouveau album de son groupe de death metal de l'Ohio Sanguisugabogg, dont le dernier album comprenait une chanson intitulée "Dick Filet". Non pas qu'il soit facile de distinguer les paroles d'un groupe de brutal death metal de toute façon, mais vous pouvez simplement dire que Sanguisugabogg semble prendre les choses un peu plus au sérieux ces jours-ci, et je dirais que Homicidal Ecstasy est à la hauteur du battage médiatique de ce groupe ( qui, en ce qui concerne les groupes de death metal, a été assez fort depuis le début) plus que leurs précédents morceaux. C'est plus serré, plus lourd et plus intense que le premier, mais toujours avec tout le gore horrible que nous attendons de ces gars.

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Ulrika Spacek - Traumatisme compactAmour dur

En l'an 2023, les guitares sont-elles ennuyeuses ? Bien sûr que non, mais pour mon propre argument stupide, je dirai que cela dépend des mains dans lesquelles ils sont. (Évidemment aussi vrai pour n'importe quel instrument, même la flûte de pan.) Dans les mains du groupe londonien Ulrika Spacek, les guitares et planer, se faufiler et ramper, caresser et rugir. Le leader Rhys Edwards et ses camarades de groupe Adam Beach et Joseph Stone sont coupés du même tissu que Doug Martsch, Bradford Cox, Thurston Moore / Lee Ranaldo et le Radiohead de votre choix, travaillant dans les limites du rock et de la pop mais trouvant toujours de nouvelles choses à faire avec leur instrument et excité par les possibilités. Compact Trauma, le premier album du groupe en six ans, tient la promesse de leur EP Suggested Listening de 2018 et est un disque de guitare glorieux où même les chansons de deux minutes semblent épiques, chargées de riffs inventifs et de filigranes intelligents. L'album est bien sûr un effort de groupe, avec le bassiste Syd Kemp et le batteur Callum Brown qui ajoutent tous au vacarme merveilleux et souvent passionnant. L'album s'ouvre sur sa meilleure chanson, le fanfaron "The Sheer Drop", qui oscille entre le cool sensuel et le bruit sauvage et inversement, le tout avec de gros crochets et un refrain qui vous colle à la tête. Compact Trauma maintient ses niveaux de qualité sur les neuf chansons restantes, nous emmenant à travers la pop jazzy ("Lounge Angst"), la romance sombre ("If The Wheels Are Coming Off, The Wheels Are Coming Off"), et plus d'épopées ("Stuck at the Door") avant de sortir sur la belle chanson titre onirique. Guitares ? Voici 10 raisons d'être excité.

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Ulthar - Anthronomicon & Helionomicon20 Buck Spin

Ulthar – le trio de métal de Bay Area composé de Shelby Lermo (Vastum), Steve Peacock (Mastery, Spirit Possession) et Justin Ennis (Vale) – suit Providence en 2020 avec leurs troisième et quatrième albums à la fois, Anthronomicon et Helionomicon. Le premier est un album de huit chansons structuré "traditionnellement", tandis que le second est divisé en deux morceaux de 20 minutes environ, également nommés "Helionomicon" et "Anthronomicon". Si ce dernier semble plus intimidant à consommer, ce n'est pas le cas; il a autant de rebondissements que l'album de huit chansons, juste moins de pauses. Enregistré à Baltimore par Kevin Bernsten (Full of Hell, Pianos Become the Teeth, etc.), les deux albums ont un son fantastique, et les deux trouvent qu'Ulthar brouille complètement les frontières entre le black et le death metal, et flirte avec des choses comme le bruit ambiant et la guitare bluesy. le chemin. Dans un paysage de métal extrême qui voit souvent des groupes se diviser en sous-genres très spécifiques, il est rafraîchissant d'entendre Ulthar faire ce qu'il veut faire, indépendamment des frontières établies, et avoir l'air absolument furieux dans le processus.

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Yves Tumor - Louez un seigneur qui mâche mais qui ne consomme pas ; (Ou tout simplement, chaud entre les mondes) Warp

Sean Bowie a passé la majeure partie de sa carrière en tant qu'Yves Tumor, passant d'expérimentateur à un art-rocker glamour et audacieux, et à ce stade, la transformation est terminée. Reprenant là où l'EP The Asymptotic World de 2021 s'est arrêté, Louez un seigneur qui mâche mais qui ne consomme pas; (Ou tout simplement, Hot Between Worlds) se penche vraiment sur le matériel fort et accrocheur qui est parfait pour la scène de Coachella qu'Yves honorera en avril. Mais comme toujours, Yves aborde la musique rock et pop selon ses propres termes ; devenir plus accessible ne signifie pas abandonner leurs tendances étrangères ou adoucir le souffle de leur voix aiguë et distincte. Comme toujours, Yves Tumor est un expert dans l'art de mélanger des sons familiers de manière inhabituelle ; Praise A Lord rappelle un éventail de styles de musique différents, y compris, mais sans s'y limiter, la new wave, le psychédélisme, le post-punk, le grunge, le funk, le chillwave et le krautrock, et Yves en aborde souvent deux ou plus par chanson. Avec la production de Noah Goldstein (Frank Ocean, Kanye, Bon Iver, etc.), le mixage d'Alan Moulder (My Bloody Valentine, Ride, Nine Inch Nails, etc.) et un casting de contributeurs talentueux (dont le chanteur invité Kidä sur "Lovely Sewer"), Praise A Lord a un son fantastique, avec un éclat intemporel qui est parfait pour la concoction de sons qu'Yves a suscités.

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Zulu - A New TomorrowFlatspot

« Dois-je seulement partager ma douleur ? C'est une question que Zulu pose plus d'une fois sur son premier album A New Tomorrow, faisant référence à la façon dont les artistes noirs sont si souvent censés faire de l'art qui reflète leur traumatisme, plutôt que de célébrer leur culture, leur communauté et leur identité. Certaines parties de A New Tomorrow sont influencées par la douleur, mais c'est tellement plus profond, plus vaste et plus festif que cela. Ayant commencé comme le projet solo powerviolence-with-vintage-soul-samples du batteur de Dare/The Bots Anaiah Lei, Zulu est maintenant un groupe à part entière, et leur son multi-genre provient maintenant de plus que de simples échantillons. Anaiah partage souvent les tâches hurlantes avec la batteuse Christine Cadette, et le guitariste Dez Yusuf prend le relais pour le chant principal de la chanson jazz-rap de l'album "We're More Than This". Pierce Jordan de Soul Glo, Obioma Ugonna de Playytime et Paris Roberts de Truth Cult prêtent également leur voix. Ils utilisent toujours des échantillons de soul (et de reggae et d'afrobeat), mais ils proposent également leurs propres instrumentaux de soul et de jazz psychédéliques. Et ils ont poussé leur hardcore écrasant bien au-delà de la powerviolence, s'aventurant souvent dans un territoire tellement orienté groove et dansant qu'il convenait parfaitement lorsque Zulu a recréé une vidéo A Tribe Called Quest pour l'une des chansons de l'album. A New Tomorrow est le nom parfait pour cet album ; Zulu sonne comme le futur.

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